partes y funciones

Cámara Réflex SLR

 

 

Una cámara réflex SLR (Single Lens Reflex) es una cámara fotográfica en la cual la imagen que ve el fotógrafo a través del visor es exactamente la misma que quedará capturada. Ello se consigue mediante el reflejo de la imagen (de ahí el nombre) sobre un espejo o sistema de espejos. Al igual que las cámaras compactas, pueden ser cámaras tradicionales de película fotográfica o digitales (DSLR).
Éstas suelen ser las cámaras preferidas por los fotógrafos aficionados y profesionales ya que permiten un control casi absoluto sobre cada uno de sus elementos y parámetros y disponen de multitud de accesorios intercambiables para distintos propósitos. En general poseen las siguientes características:

- Visor réflex o de pentaprisma, que permite ver exactamente lo que se ve a través del objetivo.
- Objetivos intercambiables.
- Fotómetro o exposímetro incorporado.
- Zapata de conexión para flash externo.
- Control (anillo) de enfoque manual.
- Obturadores muy rápidos.

Aditamientos y Tipos de camaras

Aditamentos:

 

Objetivos, trípodes, flashes, filtros, disparadores, tubos de extensión, lentes de aproximación, lentes: normal, gran angular, telefoto, macro y zoom.

TIPOS DE CÁMARAS

EL FOTOGRAFO VE DONDE LOS DEMAS MIRAN. A ESO SE LE LLAMA VISION FOTOGRAFICA Y REQUIERE DE UN MINIMO DE SENSIBILIDAD Y BUEN GUSTO, PERO HAY UNA COSA QUE TIENE UNA IMPORTANCIA VITAL QUE ES EL CONOCIMIENTO DEL EQUIPO QUE POSEEMOS Y QUE NOS VA HA PERMITIR SACARLE TODO EL RENDIMIENTO POSIBLE.

 

EN ESTE PRIMER ARTICULO TRATAREMOS DE LOS PRINCIPALES TIPOS DE CAMARAS QUE EXISTEN EN EL MERCADO, ASI COMO DE SUS DIFERENTES VARIANTES.

 CAMARAS COMPACTAS: 

CAMARAS DE UN SOLO USO

CAMARAS DE FOCO FIJO

CAMARAS DE OPTICA FIJA (autofocus)

CAMARAS DE OPTICA ZOOM (autofocus)

CAMARAS APS DE OPTICA FIJA (autofocus)

CAMARAS APS DE OPTICA ZOOM (autofocus)

CAMARAS TELEMETRICAS:  

CAMARAS 35mm OPTICA FIJA

CAMARAS 35mm OPTICA INTERCAMBIABLE

CAMARAS MEDIO FORMATO OPTICA FIJA

CAMARAS MEDIO FORMATO OPTICA INTERCAMBIABLE

CAMARAS REFLEX:

CAMARAS REFLEX:CAMARAS 35mm

MECANICAS MANUALES

CAMARAS 35mm AUTOMATICAS Y MANUALES

CAMARAS 35mm AUTOFOCUS

CAMARAS MEDIO FORMATO MONOCULARES

CAMARAS MEDIO FORMATO BIOPTICAS

CAMARAS MEDIO FORMATO AUTOFOCUS

 

CAMARAS DE BANCO OPTICO:

FORMATO 9X12 / 13X18 / 18X24 Y SUS CORRESPONDENCIAS EN PULGADAS

CAMARAS INSTANTANEAS:

CAMARAS POLAROID Y FUJI

CAMARAS PANORAMICAS:

DE EJE ROTATORIO TIPO HORIZON /NOBLEX CAMARAS RIGIDAS EN FORMATO 6X17 / 6X12 TIPO FUJI O LINHOF

CAMARAS DIGITALES:

TIPO COMPACTAS / REFLEX / RESPALDOS DE CHIP DE AREA RESPALDOS DE BARRIDO

DE GALILEO.

SE TRATA DE UN DISPOSITIVO OPTICO QUE NOS MUESTRA UNA AREA DE VISION SIMILAR A LA VISION DEL OBJETIVO DE LA CAMARA INCLUSO SI ES ZOOM

SISTEMA REFLEX: 

ES AQUEL EN EL QUE EL FOTOGRAFO VE EN EL VISOR EXACTAMENTE EL CAMPO QUE CUBRE EL OBJETIVO Y APRECIA EXACTAMENTE EL ENFOQUE ASI COMO EL CAMBIO DE CAMPO DE UN OBJETIVO ZOOM ESTE SISTEMA CONSISTE EN INTERCALAR UN ESPEJO A 45º ENTRE LA LENTE Y LA PELICULA ,ESTE ESPEJO HACE QUE SE REFLEJE LA IMAGEN SOBRE UN CRISTAL ESMERILADO QUE SIMULA EL PLANO FOCAL DE LA LA OPTICA , CUANDO SE PRODUCE EL DISPARO ESTE ESPEJO SE RETRAE PARA NO INTERPONERSE ENTRE LA LENTE Y LA PELICULA PERMITIENDO QUE SE FORME LA IMAGEN.

CAMARAS DE VISION DIRECTA: 

AQUI LA IMAGEN SE FORMA DIRECTAMENTE EN EL PLANO FOCAL DE LA PELICULA , PARA PODER ENFOCAR SE SUSTITUYE LA PELICULA POR UN CRISTAL ESMERILADO QUE NOS VA A DAR UNA VISION EXACTA DEL ENFOQUE Y DEL CAMPO DE VISION SON LAS CAMARAS DE BANCO OPTICO ESTE SISTEMA NOS VA A PERMITIR VER DIRECTAMENTE LAS CORRECCIONES DE PRESPECTIVA QUE HAYAMOS EFECTUADO.

Tipos de lentes

Muchas cámaras usan lentes intercambiables. La diferencia en estos lentes reside en la longitud focal, que no es mas que la distancia que existe entre el centro óptico del lente y el punto donde este enfoca (el plano de foco).

La longitud focal es lo que determina cuan cerca o cuan lejos aparecen los objetos cuando la imagen se proyecta en la película o el sensor. Esto es lo que se conoce como aumento. La potencia de este aumento se mide en milímetros.

Ademas de esto, la longitud focal determina que parte de la escena es visible o lo que se conoce como angulo visual.

Todos estos elementos determinan como el observador ve el trasfondo y el objeto fotografiado.

Cuando un fotógrafo habla de la velocidad de sus lentes, simplemente se refiere a la cantidad de luz que se trasmite a través del lente hasta el sensor o la película.

Una apertura grande (f4 por ejemplo) permite que entre mas luz que una apertura pequeña (f16). Mientras mas rápido es el lente mas caro es.

Existen básicamente tres tipos de lentes en la fotografía moderna.

El lente normal que proyecta una imagen que se parece mucho a lo que el fotógrafo ve con sus propios ojos sin mirar a través de la cámara. Un lente entre 40 y 55mm es lo que se conoce como un lente estándar para una cámara de 35mm o DSLR.

El telefoto por el otro lado, permite que el fotógrafo capture la luz desde grandes distancias y que los objetos aparezcan estar mas cerca de lo que realmente están. Los lentes entre 70-105mm son considerados telefotos cortos y se les conoce a veces como los lentes para retratos, puesto que son los lentes ideales para fotografías desde los hombros hacia arriba.

Un lente de 200mm es el telefoto mas común. Los paparazzis, fotógrafos deportivos y los observadores de aves utilizan por lo general telefotos de alrededor de 400 a 600mm.

Finalmente, los lentes gran-angular son el lado opuesto de los telefotos y hacen que la escena aparezca mucho mas de lejos de lo que esta en realidad pero tiene como ventaja que el campo visual es mucho mas grande. Los lentes de menos de 35mm son considerados gran-angular. Los lentes alrededor de los 24mm se consideran ultra-gran-angular.

Actualmente, el mercado se ha abocado a dos tipos principales de lentes: los lentes de longitud focal fija (Primordial) y los lentes Zoom. Estos ultimos le permiten variar la longitud focal (y por lo tanto el angulo visual) mientras que el foco permanece constante.

Los lentes Zoom tienen diferentes longitudes focales, como ya dijimos, y esta puede ser cambiada mediante uno de los anillos en el lente. Anteriormente todos los lentes zoom eran telefotos por lo que muchas personas usan los términos para significar la misma cosa. Esto es un error, puesto que hoy en día existen lentes zoom que van desde gran-angular hasta telefoto.

Usted puede haber oído hablar de un lente macro. Estos son utilizados para macro-fotografía o de acercamiento. Estos lentes tienen las mismas caracteristicas de los lentes normales, pero permiten enfocar mucho mas de cerca al sujeto. Estos lenten tienen por lo general una longitud focal de 50/55mm o 90/100/105mm. Mientras mayor sea la longitud focal mas lejos podra usted colocarse del sujeto.

Los lentes Ojo de Pescado o “Fisheye” se parecen a los ojos de los peces y tienen un angulo visual de casi cerca de los 180 grados. Las fotos que se obtienen con estos lentes siempre muestran distorcion en los bordes de la foto.

 

Biografia de W. Eugene Smith

W. Eugene Smith, nace en 1918 en Wichita, Kansas (EEUU).
Inicialmente la fotografía le interesa como instumento para otros fines.
En 1934 es cuando comienza a fotografiar con pasión y comienza a publicar sus fotografías. En su paso por la Universidad trabaja como fotógrafo de la escuela, donde obtiene una beca. A partir de 1937 trabaja para diversas revistas gráficas, llegando a ser corresponsal de guerra durante la segunda guerra mundial, en el transcurso de una acción es gravemente herido.
Trabaja para l'American Socitey of Magazine Photografphers y para Photo League de Nueva York. En 1956 entra en la Agencia Magnum que abandona al año siguiente. En 1961 pasa un año en Japón trabajando para la empresa industrial Hitachi.

Imparte varios cursos de fotoperiodismo. En 1970 se instala en Japón, en Minamata, donde trabaja en uno de sus mejores reportajes que muestra las consecuencias de la polución industrial y del envenenamiento por mercurio.
En 1976 se Instala en Tucson (EEUU), donde enseña en la Universidad de Arizona. El 15 de octubre de 1978 fallece como consecuencia de una hemorragia cerebral.

                                          

son fotos siento yo, que tienen demasiada trsiteza, nose como o que es lo que quiso transmitir exactamente, pero a mi me transmite trsiteza y es como que me pone a pensar que uno toma a la tristeza como cuando terminas con el novio (tipico) y no, no solo es eso, sino el hambre, la muerte, la soledad y al no encontrar la salida a tus problemas, eso tambien es una trsitza grande y muy buena estrategia, buenas fotos y hechas con mucha delicadesa y sobre todo con muy buenos angulos.

Biografia de Oliviero Toscani

Oliviero Toscani (n. 1942, Milán) es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.

Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.

Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital. En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema "una revista sobre el resto del mundo", Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa. En 1993, Toscani creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando.

En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.

Además de trabajar con Benetton, Toscani ha sido el diseñador de campañas publicitarias para Esprit, Valentino, Chanel y Fiorucci. Las campañas de Toscani han ganado cuatro veces el premio Lion d'Or en el Festival de Cannes. Personalmente, Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix d'Affichage. Ha tenido exposiciones individuales, en orden cronológico, en las ciudades de Venecia, Sao Paulo, Milan, ciudad de México, Helsinki, Roma y otras catorce ciudades.

  Sus campañas publicitarias para la firma Benetton, provocaron muchas controversias entre los años 1980-1990. Esta campaña de 1991 fue polémica en Italia ya que el Papa se pronunció en contra.

   Una de sus campañas más comentada fue la que incluía una foto de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, con sus familiares sufriendo por una muerte inminente. Otras, campañas que aludían a la guerra, la religión y la pena capital, también fueron muy comentadas.

  Su último trabajo ha sido el de la campaña para Nolita en la que el fotógrafo retrató a una modelo anoréxica, que ha levantado muchas crítias.

 

Coincidiendo con la Semana de la Moda de Milán, Italia se despertó con vallas publicitarias y anuncios de prensa cubiertos con la fotografía de una modelo anoréxica, para promocionar la marca de ropa Nolita, en la que mostró la extrema delgadez de una modelo, que ha causado conmoción por la dureza de las imágenes.

Isabelle Caro, la modelo francesa de 27 años que aparece desnuda en la imagen, sufrió anorexia durante 15 años, y pesa 31 kilogramos, y es la que aparece en los carteles en los que se lee 'No-Anorexia'.

Oliviero Toscani, ha afirmado que el uso del cuerpo desnudo es para mostrar al mundo la realidad de la enfermedad.

La polémica está servida, para unos esta imagen no calará en las mentes de las chicas que tienen esta enfermedad, para otros la dureza y crueldad de la campaña servirá para sensibilizar al mundo y buscar soluciones.

 

   Las campañas de Benetton pisaron fuerte con los anuncios bajo el lema 'Colores Unidos de Benetton'. La unidad racial fue el tema principal en sus campañas, como ésta que fue una muy comentada en la que aparece una madre negra amamantando a un niño blanco.

Sin duda son fotos que en verdad te transmiten un mensaje, por ejemplo, esta última que nos enseña que aunque seamos de un color diferente somos humanos y somos uno mismo y en verdad el color lo hacemos aún lado, pero tristemente esto no sucede aquí, es por eso que me parecen fotos demasiado buenas y la de anorexia tambien es otra que te deja un menssaje al igual que la foto del muchacho con sida, es como uno y sobre todoe él percibe la vida y eso me gusta mucho.

Biografia de Henri Cartier Bresson

CARTIER-BRESSON, Henri (1908-2004) Nació en Chanteloup, Seine et Marne, Francia. Pertenecía a una familia de la alta burguesía que le inculcó el gusto por el Arte, a sus padres sólo les interesaba la pintura, por este motivo fue educado en el Lycée Condorcet de París. En 1931 después de una larga enfermedad se intereso por la fotografía. La primera Leica la obtuvo en el 1933, con la que conseguía fotografiar al sujeto de una forma discreta sin distraerlo. Su primera exposición la inauguró en 1932 en la Galería Julien Levy de Nueva York, además ese mismo año publicó también su primer reportaje en la revista Vu. Hablando de su técnica jamás recorta los negativos, se positivan completos, sin encuadrar ni cortar nada. Es un fotógrafo que sabe componer con rigor, observando los gestos, las yuxtaposiciones de elementos y dispara en el breve instante en que todo ello crea un conjunto significativo, lo que él define como el momento decisivo.

En 1937 empezó a trabajar para varias revistas y periódicos como reportero gráfico. Fue llamado a filas en 1940, para la Unidad de cine y fotografía del ejército francés, durante la II Guerra Mundial le detuvieron los alemanes durante 35 meses. Después de tres intentos escapó de la prisión de Wuttemberg dirigiéndose a París, allí trabajó para la Resistencia en 1943. Organizó la filmación y fotografió la Ocupación y la Liberación de París. En 1945 dirigió, para la oficina de información bélica de Estado Unidos, el documental Le retour (El retorno). Volvió a Estados Unidos en 1946, donde conoció y fotografió a numerosos escritores y artistas como William Faulkner, Alfred Stieglitz o Saul Steinberg. Destacar como anécdota que en este año asistió a la exposición que el MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) le había organizado después de creerle muerto en la guerra. En 1947 junto a Capa, Saymour y Rodger fundaron la Agencia Mágnum y durante veinte años se recorrió todo el mundo siendo considerado uno de los reporteros más importantes de su época. Cartier documentó actos tan importantes como el funeral de Gandhi, la Guerra Civil en China, entre otros... Su primer libro fue publicado en 1952 titulado Images à la Sauvette. En 1955, por invitación expresa del Museo de Louvre de París, fue el primer fotógrafo que expuso su obra allí. Abandonó Mágnum en 1966 volviendo al dibujo y la pintura, aunque siguió con la fotografía. Para él "La fotografía es, en un mismo instante, el reconocimiento simultáneo de la significación de un hecho y de la organización rigurosa de las formas, percibidas visualmente, que expresan y significan ese hecho". Gracias a las exposiciones del Centro Internacional de Fotografía a partir del 1979 sus imágenes han recorrido todo el mundo. Algunas de sus colecciones son: The Decisive Moment (1952), The World of Henri Cartier-Bresson (1968), Henri Cartier-Bresson (1980), Henri Cartier-Bresson: The Early Work publicado por Peter Glassi en Nueva York (1987).

Muere a los 95 años de edad el día 3 de Agosto del 2004 en su residencia "Le Claux" al norte de Marsella-Francia.

                                        

Sus fotos me parecen muy buenas, por que las toma en el momento, sin podriamos decir poses, es captar la imagen tal y como la ves y eso me gusta, pero no negare que si ve un poco actuado, pero se me hace más tomadas en el momento y con muy buen marco.

biografia de Paul Valery

Paúl Valery

Ambroise-Paul-Toussaint-Jules Valéry (30 de octubre de 1871 – 20 de julio de 1945) fue un escritor francés, principalmente poeta, pero también ensayista.

Tras realizar sus estudios secundarios en Montpellier, inició la carrera de derecho en 1889. En esa misma época publicó sus primeros versos, fuertemente influenciados por la estética simbolista dominante en la época. En 1894 se instaló en París, donde trabajó como redactor en el Ministerio de Guerra. Tras el fin de la Primera Guerra Mundial, se convirtió en una suerte de “poeta oficial”, inmensamente celebrado y colmado de honores, al punto de ser aceptado en la Academia francesa en 1925. Tras la ocupación alemana se rehusó a colaborar, perdiendo su puesto de administrador del centro universitario de Niza. Su muerte, acontecida unas pocas semanas después del fin de la Segunda Guerra Mundial, fue celebrada con funerales nacionales y su cuerpo fue inhumado en Sète, en el cementerio marino que inspiró una de sus obras cumbres.

Su obra poética, fuertemente influenciada por Stéphane Mallarmé, es considerada una de las piedras angulares de la poesía pura, de fuerte contenido intelectual y esteticista. Según Valéry, «todo poema que no tenga la precisión de la prosa no vale nada».

Entre sus poemas más importantes cabe destacar «La Joven Parca» (1917) y «Cementerio Marino» (1920).

(Paul Ambroise Valéry, Sète, 1871-París, 1945) Escritor francés. Su obra poética, que prolonga la tradición de Mallarmé, está considerada como una de las más importantes de la poesía francesa del siglo XX. Su obra ensayística es la de un hombre escéptico y tolerante, que despreciaba las ideas irracionales y la inspiración poética, y creía en la superioridad moral y práctica del trabajo, la conciencia y la razón.

Estudió derecho en Montpellier, donde también publicó sus primeras poesías: «Sueño», en la Revue maritime (1889); Elevación de la luna», en Le Courier libre (1889); «La marcha imperial», en La Revue indépendante, y «Narciso habla», en La Conque (1891). Su amistad con Pierre Louïs le abrió las puertas del París literario, donde conoció a André Gide y a Stéphane Mallarmé (1891), a quien le uniría una gran amistad. Su amor no correspondido por una tal Madame Rovira precipitó una crisis, que le llevó, en 1892, a renunciar a la poesía y a consagrarse al culto exclusivo de la razón y la inteligencia.

En 1894 se instaló en París, y al año siguiente publicó los ensayos filosóficos Introducción al método de Leonardo da Vinci y La velada con el señor Edmond Teste; este último, aparecido en la revista Le Centaure, fue el primero de una serie de diez fragmentos donde expone el poder de la mente por entero volcada en la observación y deducción de los fenómenos.

Tras trabajar como funcionario del Ministerio de Guerra (1895), fue secretario particular de Édouard Lebey (1900-1920), uno de los directores de la agencia Havas. Obtuvo gran notoriedad con la publicación del largo poema La joven Parca (1917), y de dos volúmenes de versos, Álbum de versos antiguos (1920) y Cármenes (1922) -que incluye su poema El cementerio marino, considerado el prototipo de la «poesía pura» de Valéry-, y en 1925 ingresó en la Academia Francesa.

Sus obras siguientes fueron diálogos en prosa: Eupalinos o el Arquitecto (1923) y El alma y la danza (1923). Posteriormente publicó una recopilación de ensayos y conferencias (Variedad, 5 vols., 1924-1944), y una serie de obras, como Rhumbs (1926), Analecta (1927), Literatura (1929), Miradas al mundo actual (1931), Malos pensamientos y otros (1941), y Tal cual (1941-1943), consideradas el diario intelectual de Valéry. Fue profesor de poética del Colegio de Francia (1937-1943). Escribió también para el teatro los ballets Amphion (1931) y Semíramis (1934), a los que Arthur Honegger puso música, y compuso el libreto de La cantata de Narciso (1942), con música de Germaine Tailleferre.

Póstumamente aparecieron el drama Mi Fausto (1946), y también Historias rotas (1950), Cartas a algunos (1952), Correspondencia con André Gide (1955), Descartes (1961) y, a partir de 1956, los numerosos volúmenes de sus Cuadernos.

                                                        

biografia de David Nebreda

David Nebreda

No hay nadie que haya jamás escrito, o pintado, esculpido, modelado, construido, inventado a no ser para salir del infierno. Estas palabras de Antonin Artaud, excepcional artista enfermo de esquizofrenia, sirven ahora para presentar las imágenes más impactantes del nuevo mártir del panorama artístico internacional. Heridas, amputaciones, flagelaciones y llagas en su piel (todas ellas reales y no simples performances fingidas) dan cuenta de la relación especial que la locura puede mantener con la creación fotográfica en el caso de David Nebreda (Madrid, 1952), que confiesa que su vida es muchísimo peor a lo que muestran sus ya de por sí desgarradoras imágenes. Enfermo de esquizofrenia paranoide desde que tenia 19 años, no toma medicación y su única terapia la constituyen sus propias fotografías. Una de sus imágenes (probablemente escrita con fluidos corporales) contiene el siguiente texto a veces entrecortado con palabras en sucesión sin formar frases completas: he conocido al enemigo de dentro y de fuera. Tengo miedo de seguir utilizando mi sangre, las quemaduras, los azotes, el agotamiento, los clavos. Sólo conservar de mi patrimonio el silencio (…), movimiento, excremento, ritos…

 

      

Encerrado en su casa durante veinte años, sin mantener relación con ninguna otra persona y sufriendo ayunos severos que le han mantenido en un estado de máxima delgadez, ha torturado su cuerpo al mismo ritmo que la esquizofrenia ha martirizado su mente. Ha vivido aislado del mundo en un piso de Madrid que nadie sabe donde está. Sin conceder entrevistas, ni ver la televisión ni leer ningún periódico. Sólo algún privilegiado ha conseguido al parecer arrancarle algunas palabras al propósito de sus obras. Vive bajo la tiranía de la tortura y del dolor que él mismo se ha impuesto para enfrentarse a los fantasmas de su mente. La cámara fotográfica ha sido fiel testigo de las autotortura que ha llevado a cabo sobre su propio cuerpo de forma tan salvaje como ritual

De su primera colección de autorretratos en blanco y negro hasta sus dibujos pasando por los escritos que ha realizado, todo ello constituye un intento por expresar su mundo esquizofrénico quizás también indescifrable para nosotros. Este es un reto que como auténtico artista lanza a todos los espectadores. También puede comprobarse una evolución clara en sus fotografías desde la presentación más soterrada con unas imágenes en blanco y negro que medio muestran el tormento a la referencia ya más clara del horror en sus obras a color. Pero, en todo caso, a los observadores se nos ofrecen continuos enigmas desde sus extensos textos y torturas.

Sus fotografías son muy buenas, pero pienso que tanto es el amor de este autor así la fotografía que al hacer todo lo que hizo con su cuerpo, solo para experimentar y hacer buenas fotos, no es muy de mi agrado, se reconocerlo, pero por mi parte es algo que no me gustaría hacer, es por eso que se lo reconozco y siento que es demasiado grande su pasión que su propia vida. Sus fotos ni se diga están demasiado buenas, algo que yo jamás haría y es como que al momento de que mi ojo ve lo elemental, el acto, mi ojo disfruta y mi mente se hecha a volar.